История классицизма

"История развивается по спирали" - часто слышим мы подобное утверждение и находим подтверждение его правоты в эпохе классицизма.

Классицизм (лат. идеальный, образцовый) – это направление в искусстве XVII-XIX века (приблизительно между 1750 и 1820 годами)

Идеалом и образцом для подражания вновь стала Античность и ее искусство. На смену пышности и витиеватости Барокка приходит простота, строгость, ясность.

В качестве сюжетов для изобразительного искусства, музыки, литературы снова становятся популярными древнегреческие и древнеримские мифы и трагедии. Одним из самых известных художников, в чьем творчестве оживали персонажи и события античных времен, были живописец Н. Пуссен и скульптор А. Канова.

Считалось, что именно во времена Античности людям удалось воплотить все человеческие устремления. Античное искусство получает название классического, его признают образцовым, наиболее правдивым, совершенным, гармоничным. В центре внимания находятся образование, положение простого народа в общественном устройстве, гениальность как свойство человека.

XVIII век называют еще эпохой Просвещения. В этот время в европейских странах в трудах различных ученых и философов формируется новая идеология, в основе которой лежит утверждение о приоритете человеческого разума.

Религиозные христианские догматы подвергаются критике, многие из них отрицаются. Во главе всего теперь находится наука, система знаний, которые влияют на общественное развитие. Все сферы человеческой жизни подвергаются переосмыслению с позиции главенствования разума, рассудка: каждая личность свободна, независима и уникальна; каждый человек волен сам решать свою судьбу, полагаясь на собственный разум и убеждения.

Фундаментальным трудом, в котором были сосредоточены все имевшиеся в то время знания, стала "Энциклопедия, или Толковый словарь наук, искусств и ремесел", состоявшая из 35 томов и издавшаяся с 1751 по 1780 год. Французские ученые и философы Вольтер, Дидро, Руссо, Даламбер и другие, писавшие для "Энциклопедии" статьи, впоследствии стали именоваться энциклопедистами.

Раньше, главным местом, где звучала музыка, был храм: в нем человек находился внизу, в огромном пространстве, где музыка как будто помогала ему взглянуть ввысь и посвятить свои мысли Богу.

Теперь, в XVIII веке, музыка звучит в аристократическом салоне, в бальном зале дворянской усадьбы или на городской площади. Слушатель века Просвещения как будто обращается с музыкой "на ты" и не испытывает больше восторг и робость, которые она ему внушала, когда она звучала в храме.

В музыке уже нет мощного, торжественного звука органа, уменьшилась роль хора. Музыка классического стиля звучит легко, в ней гораздо меньше звуков, как будто она "меньше весит", чем грузная, многослойная музыка прошлого. Звучание органа и хора сменилось звучанием симфонического оркестра; возвышенные арии уступили место музыке легкой, ритмичной и танцевальной.

Веяния проникли в оперные театры. На смену "высокой" опере (лирической трагедии и опере – seria – итальянская опера на мифологический или исторический сюжет) приходит итальянская опера – buffa – французкая комическая опера, с итальянского переводится "веселая опера".

Серьезную оперу в 18 веке также ожидали изменения. И эти реформы связаны с именем немецкого композитора Кристофа Виллибальда Глюка.

Глюк имел опыт работы в театре, глубоко знал итальянскую, французскую и немецкую оперные традиции. Постепенно он пришел к мысли, что оперу необходимо изменить. Опера "Орфей и Эвридика" (1762), обозначенная авторов как "трагическая опера". Либретто к ней написал итальянский поэт и либреттист Р. Кальцабиджи, в сотрудничестве с которым Глюк начал постепенно обновлять оперный жанр.

Что же подвергалось изменениям?

1. Прежде всего, в либретто Кальцабиджи стремился к правдивому воплощению человеческих переживаний, к простоте и ясности развития сюжета. Что же касается музыки, то Глюк писал: "Я хотел свести музыку к ее истинному назначению – сопутствовать поэзии, дабы усиливать выражение чувств и придавать больший интерес сценическим ситуациям, не прерывая действия и не расхолаживая ее ненужными украшениями".
2. Уже первые звуки оперы – увертюры – должны настраивать слушателя на определенное настроение, которое будет господствовать в спектакле.
3. Арии – не концертные номера, в которых исполнители могут продемонстрировать свои технические и вокальные возможности, а один из главнейших элементов общего драматического действия.
4. Глюк предпочитает мыслить оперное действие не как простую череду номеров, а сцены, в которых объединяются сольные, ансамблевые и хоровые номера.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, В.А. Моцарта, Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене, и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII, начала XIX столетия венскую классическую школу.

В творчестве Гайдна, Моцарта, Бетховена постепенно сложилась и закрепилась определенная форма построения инструментальных произведений, отличающаяся строгими пропорциями расположения частей.

Основные жанры венских классиков

Основу инструментального творчества Й. Гайдна, В. Моцарта и Л. Бетховена составляют жанры: симфония, концерт, квартет, соната.

Симфония – крупное произведение для симфонического оркестра в 4-х частях. Слово "симфония" в переводе с греческого языка означает "созвучие".

Концерт – произведение для солирующего инструмента и симфонического оркестра. Например: концерт для фортепиано с оркестром, концерт для скрипки с оркестром.

Квартет – произведение для 4 струнных инструментов: 2 скрипок, альта и виолончели в 4 частях.

Соната – произведение для одного или двух инструментов в 3-х частях. Например: соната для фортепиано, соната для скрипки и фортепиано и др.

Сонатно-симфонический цикл

Цикл представляет собой музыкальное произведение из нескольких частей, отличающихся друг от друга своим характером музыки. Такое строение имеют симфонии, концерты, квартеты, сонаты.

В связи с этими жанрами цикл получил название сонатно – симфонический. По законам, сложившимся в творчестве венских классиков, каждая из частей цикла создавалась в строго определенных темпах и формах. (таблица в презентации).

Каждая часть имеет свою функцию в построении цикла.

• Первая часть – наиболее насыщена событиями, в ней встречаются и противопоставляются несколько образов, в виде конкретных тем.
• Вторая часть – контрастирует предыдущей, по темпу и характеру.
• Третья часть – менуэт.
• Финал часто перекликается с 1 частью по настроению, он может быть еще более активным и энергичным, чем начало цикла.

Первая часть цикла обычно пишется в сонатной форме. Она включает в себя три раздела: экспозицию, разработку и репризу. (сонатная форма может быть дополнена вступлением и кодой – двумя разделами, находящимися по краям).

Экспозиция в переводе с латинского означает "показ".

В 1 разделе – экспозиции – излагаются 4 музыкальные темы:

1. Главная партия.
2. Связующая партия.
3. Побочная партия.
4. Заключительная партия.

Главная партия. Тема главной партии открывает экспозицию, она звучит в основной тональности.

Связующая партия, она соединяет главную и побочную. Тема связующей партии чаще всего основывается на интонациях главной партии, редко имеет самостоятельный тематический материал. Связующая партия осуществляет переход в новую тональность побочной партии. В музыке переход из оной тональности в другую называется модуляция.

Побочная партия. Может быть или контрастна, или близка теме главной партии. Но она всегда в другой тональности: это может быть тональность доминанты (в мажорном произведении) или параллельная (в минорном).

Заключительная партия. Тема заключительной партии завершает экспозицию, она может быть или независимой по интонационному материалу, или напоминать мотивы главной и побочной партии. Заключительная партия в конце экспозиции закрепляет тональность побочной партии.

2 раздел – Разработка. Разработка демонстрирует темы, представленные в экспозиции, в развитии. Они подвергаются изменениям, обычно сокращаются, из них выделяются отдельные фразы и даже мотивы, а, самое главное, в разработке происходит активная смена тональностей, что создает ощущения неустойчивого движения.

3 раздел – Реприза. Возвращает основную тональность, причем это правило распространяется и на главную, и на побочную партии. Это позволяет придать репризному разделу завершающую устойчивость.

И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале 19 века многим казались устаревшими, в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработаны венской школы, сохраняет свое значение до сих пор.

С середины 18 столетия на развитие европейской музыкальной культуры, стал оказывать влияние классицизм, произведение искусства должно было создаваться по строгим правилам и решать высокие нравственные проблемы.

О музыке Йозефа Гайдна, одного из основателей венской классической школы, его друг и младший современник В.А. Моцарт писал: "никто не в состоянии делать все и балагурить и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать и все одинаково хорошо, как это может Гайдн".

С творчеством Гайдна связан цвет таких жанров как: симфония, струнный квартет, клавирная соната. Большое внимание композитор уделял концертам, для разных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыки. В 17 лет Гайдн потерял голос и был исключен из капеллы. Только через 4 года он нашел постоянную работу, он устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперному композитору Николе Пропоро.

Тот оценил музыкальное дарование Гайдна и стал преподавать ему композицию. Вскоре Гайдн поступил на службу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провел при их дворе в качестве композитора и руководителей капеллы почти тридцать лет. Композитор стал обладателем множества почетных степеней и званий.

Йозефа Гайдна часто называют отцом симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки. В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем, проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение.

Композитор таким образом обнаруживает ее скрытые возможности выявляет внутренние противоречия, мелодия то преображается то возвращается к первоначальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора и эта особенность личности отразилось и в его музыке.

Гайдн нередко использовал прием звукоподражания, допустим показывала как поют птицы, как бродит по лесу медведь и так далее. В симфониях композитор часто обращался к народным темам. В основном, к славянским, словацким, и хорватским.

Представителям венской классической школы, прежде всего Гайдну принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде композиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появления устойчивого состава оркестра - это яркий признак классицизма.

Звучание музыкальных инструментов приводилась в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки. Правила эти основаны на знании, возможности инструментов и предполагают, что звук каждого не самоцель, а средства выражающий определенную идею.

Творчество Моцарта занимает особое место венской классической школе. В его произведениях эмоциональная строгость соединилась с ясностью форм. Музыка композитора обращена к чувствам человека.

Именно Моцарт впервые показал противоречия внутреннего мира личности. Моцарт родился в Зальцбурге в Австрии он обладал феноменальными музыкальными способностями, великолепным слухом и памятью. Уже в раннем детстве он научился играть на клавесине и в пять лет написал свои первые сочинения. Все прекрасно знают, что первым педагогам, будущего композитора стала его отец Леопольд Моцарт.

Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органам, скрипкой славился, как блестящий импровизатор. 6 лет он гастролировал по странам Европы. В 11 создал первую оперу "Аполлон и Гиацин" а в 14 уже дирижировал в театре Милано. На премьере собственной оперы "Митридат царь Понтийский". Из выдающихся композиторов прошлого, стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника.

В 1781 году Моцарт переехал в Вену и у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями. Именно выступление послужили стимулом для создания концерта для фортепиано с оркестром. Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведение это целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства.

Опера привлекла композитора возможностью показать взаимоотношения людей их чувства и стремления. В своих зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения опера на серьезную и комическую. Появился музыкально драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характер и живые и многогранны несвязанные рамками амплуа.

В отличие от Глюка, который предпочитала мифологические сюжеты, Моцарт часто обращался к литературным источникам. Моцарт опять же в отличии от Глюка, главное считал музыку и относился к тексту либретто очень требовательный.

В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам промелькает о насмешливый мотив то появляется прекрасная мелодия, то напыщенные аккорды.

И эти детали внимательному слушателю говорят больше, чем просто текст. Будучи представителем венской классической школы Моцарт как и Гайднн большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны 3 последнии симфонии 39 40 41юпитер. В произведениях этого жанра окончательно закрепились 4 частный цикл и правила сонатной формы.

Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта соревнования солиста и оркестра и этот процесс всегда подчинен строгой логике. Композитору принадлежит 27 концерта для фортепиано с оркестром, 7 для скрипки с оркестром. Фортепиано творчество Моцарта включает 19 сонат, в которых он продолжал, разрабатывать сонатную, форму, а также сочинение в жанре фантазий.

Так называемые музыкальные произведения основаны на импровизации и свободные по форме. Композитор отказался от клавесина и клавикорды обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манерам Моцарта отчетливая, элегантная с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента. Также Моцарт создавал духовные произведения, такие как месса и кантаты, оратории и реквием.

Свою музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творение непревзойденные по художественной красоте и гармоничности. Музыканты современники высоко ценили дарования Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы композитора не принимала вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.

"Музыка должна высекать огонь из груди человеческой" - это слова Бетховена. Произведения, которого подлежат к высшим достижением музыкальной культуры. Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идеи просвещения и свободолюбивых идеалов французской революции. В музыкальном отношении его творчество с одной стороны продолжала традиции венского классицизма, а с другой запечатлела черты нового романтического искусства.

От классицизма в произведениях Бетховена, возвышенность, содержание, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты, от романтизма смело экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепиано миниатюре, а также к программности.

В 1792 году Бетховен переехал в Вену, он брал уроки музыки у Йозефа Гайдна, а также у Иоганна Альберсберга. Альберсбергер познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. От этого Бетховен владеет блестящим знанием композиторских форм гармонии и полифонии.

Вскоре Бетховен начал давать концерты, стал популярным его стали узнавать на улицах, приглашать на торжественные приемы. В дома высокопоставленных особ он много сочинял, писался на ты концерт для фортепиано с оркестром, писал симфонии.

Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьезный недуг, он начал терять слух. Убедившись неизлечимости болезни композитор решил уйти из жизни и в 1802 году приготовил даже завещание, где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть это отчаяние и нашел в себе силы дальше сочинять музыку.

Вершина симфонического творчески Бетховена стала девятой симфонии. Задумана она была еще в 1812 году, но работал он над ней с 1822 по 23 года. Симфония очень грандиозная по масштабам, особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора солиста и оркестр, написаны на текст "Ода к радости" Иоганна Шиллера.

Радость Бетховен понимал, как восхищение гармонии природы и мироздания, как осознание всеобщего человеческого братства, равенства людей перед богом. Положив на музыку текст Шиллера Бетховен сократил его, он убрал философские размышления и оставил лишь те фрагменты в которых прославляется Бог и стремление к победе человеческого духа.

Премьеры симфония состоялась в 1825 году венском оперном театре. За свою жизнь Бетховен написал 9 симфоний, 32 сонаты для фортепиано, а также для скрипки и виолончели, 16 струнных квартетов, оперу "Фиделю" и торжественную мессу.

Также 5 концерта для фортепиано и один для скрипки с оркестром, увертюры, отдельные пьеса для разных инструментов. Удивительно, но многие сочинения в том числе девятую симфонию композитор написал будучи уже совершенно глухим. Однако все его произведения непревзойденные шедевры и камерной музыки.

Сонатная форма и симфония

Наиболее сложная форма инструментальной музыки - это симфония с греческого переводится как созвучие. Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра очень велики. Симфония позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях.

Сформировался жанр симфонии в середине 18 века в творчестве представителей венской классической школы, композиторы разработали соната симфонический цикл из четырех частей, которые различаются характером музыки, темпом и приемами развития темы.

Первая часть построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена, как правило, драматическим содержанием, иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная и созерцательная - это лирический центр композиции.

3 контрастна по отношению ко второй. Музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. В начале 19 века композиторы использовали здесь форму менуэта, распространенного салонного танца 18 столетия. Позднее менуэт был заменен скерцо, так назывались небольшие вокальные и инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по своему содержанию.

4 часть обычно быстрая это финал симфонии. Здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.

Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм сонатная форма. Началась складываться в первой половине 18 века и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы.

Сонатная форма - это принцип изложение музыкального материала, он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы главной и побочной либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую.

Развитие тем проходит три этапа: экспозицию, разработку и репризу. Тема возникает в экспозиции, главное звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности всего сочинения. Например симфония до мажор.

Побочное обычно излагается в иной тональности, между темами соответственно возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем они могут вступать в острое взаимное противоречие, обе темы могут представляться в ином освещении например будут исполнены другим составом инструментов или резко поменяют характер.

В репризе темы на первый взгляд возвращается в начальное состояние, однако побочное звучит уже в основной тональности, таким образом, приходя к единству с главной темой. Реприза это итог сложного пути, которому тема приходит обогащенные опыта экспозиции и разработки.

klassitsizm.rar

Размер:

29.84 Kb

Скачали:

6